El método

Título original: El método
Dirección: Marcelo Piñeyro
Guion: Mateo Gil, Marcelo Piñeyro
Música: Frédéric Bégin, Phil Electric
Fotografía: Alfredo F. Mayo
Reparto: Pablo Echarri, Eduardo Noriega, Ernesto Alterio, Eduard Fernández, Najwa Nimri, Adriana Ozores, Carmelo Gómez, Natalia Verbeke
Productora:
Coproducción España-Argentina; Alquimia, Tornasol Films
País: Reino de España
Año: 2005
Duración: 112 min.

Durante una cumbre del Fondo Monetario Internacional en Madrid -basada en muchos aspectos en la del Banco Mundial que tuvo lugar en Barcelona en 2002-, siete supuestos aspirantes a un cargo ejecutivo en una reputada empresa afincada en la capital del reino son enfrentados entre ellos mediante un test vendido como de nueva e infalible selección. Sabremos desde los primeros diez minutos que una de las personas de la sala no es aspirante, sino que ha sido colocado en la sala por la empresa con el fin de vigilarles.

 

Simbólicamente desarrollada con las macromanifestaciones antiglobalización pasando literalmente por debajo del edificio, se trata de una crítica descarnada contra la competitividad empresarial, si no contra el mundo del gran capital en sí mismo. Quizás alguien consiga que alguno de los personajes le caiga bien, en nuestro caso todos los caracteres de la película nos ha parecido gentuza, si a caso salvaríamos algo al primer aspirante expulsado, pero por lo demás veremos a gente manipulándose entre ella, traicionándose, presionándose de las maneras menos honestas posible y usando las herramientas que hagan falta, ya sean el machismo, el edadismo, el chantaje emocional, el racismo, la política, la delación, la destrucción del medio ambiente, el clasismo… Y frente a esto, la alternativa a este mundo de gente rastrera y sueños rotos: la propuesta de un mundo alternativo que ofrecen las manifestaciones anti-FMI, que no queda ajena a la sala donde se desarrolla el film, sobrevolando el ambiente porque lo que realmente importa es la competitividad y el pisar a la de al lado como la melodía característica del sacrosanto libre mercado.

 

Muy recomendable.

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Dream Home

Título original: Wai dor lei ah yut ho
Dirección: Pang Ho-Cheung
Guion: Pang Ho-Cheung, Derek Tsang, Jimmy Wan
Música: Gabriele Roberto
Fotografía: Nelson Yu
Reparto: Josie Ho, Eason Chan, Michelle Ye, Norman Chu, Juno Mak, Jo Kuk, Derek Tsang, Lawrence Chou, Lo Hoi-Pang, Wong Ching, Nina Paw, Felix Lok, Tan Lap-Man, Nelson Yu
Productora:
852 Films, Making Film
País: Hong Kong
Año: 2010
Duración: 96 min.

La presión sobre nuestras vidas que genera el capitalismo, con sus precariedades laborales, sus jerarquías económicas y sus inyecciones de ideas sobre el éxito personal hacia toda la población pueden generar monstruos como la protagonista de esta película: una joven criada en Hong Kong, trabajadora precaria cuyo sueño era comprar un piso con vistas al mar, ve truncados sus sueños cuando las leyes del libre mercado le hacen una jugarreta sucia de esas con las que el capitalismo se mantiene hasta nuestros días. Su forma de gestionarlo es mediante asesinatos de personas que no tiene nada que ver para sus propios fines.

 

Muy gore y con escenas realmente horribles, no sólo por la cantidad de sangre y vísceras, sino por el asesinato de gente que es bastante más víctima que verduga del sistema económico. Estamos ante una alegoría de la especulación inmobiliaria bastante original y a ratos desagradable. Hubiera sido más divertido que se hubiera dedicado a asesinar a magnates económicos, ejecutivos de empresa o especuladores inmobiliarios, como hemos podido ver mientras recogíamos nuestras babas del suelo en alguna que otra película. Aunque sí que hay un par de asesinatos que tienen que ver con la permanencia del mercado inmobiliario y nos alegramos de ver, aunque para no hacer espoiler nos callaremos. Por esta razón, y por el asesinato de personas pertenecientes a estratos muy vulnerables de la sociedad, no incluiremos la película en nuestro archivo, pero igualmente no dejamos de recomendar su visionado.

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Goya. El difícil camino del conocimiento

Título original: Goya – oder Der arge Weg der Erkenntnis
Dirección: Konrad Wolf
Guion: Konrad Wolf, Angel Vagenshtain
Música: Faradzh Karayev, Qara Qarayev
Fotografía: Werner Bergmann, Konstantin Ryzhov
Reparto: Donatas Banionis, Olivera Katarina, Fred Düren, Tatyana Lolova, Rolf Hoppe, Mieczyslaw Voit, Mikhail Kozakov, Arno Wyzniewski, Lyudmila Chursina, Veriko Andjaparidze, Ariadna Shengelaya, Gustaw Holoubek, Ernst Busch
Productora:
Coproducción Alemania del Este (RDA)-Unión Soviética (URSS)-Bulgaria-Yugoslavia; Deutsche Film (DEFA), Künstlerische Arbeitsgruppe, Bosna Film, Studiya za igralni filmi »Boyana», Kinostudiya »Lenfilm»
País: República Democrática de Alemania
Año: 1971
Duración: 136 min.

Realizada durante el franquismo por la RDA, la película nos muestra un segmento de la política española entre el final del siglo XVIII y los inicios de la Guerra del Francés a través de la vida de Goya. En suelo regido por el estado español no podría haberse realizado, a pesar de hablar de hechos transcurridos hacía más de 150 años: la crítica a la Iglesia Católica y a la monarquía es latente. Se muestra a miembros de la familia real en situaciones lamentables, sin obviar las pretensiones golpistas del por entonces Príncipe de Asturias Fernando de Borbón, y se muestra un hastío de buena parte de la intelectualidad ante la política española frente a un régimen francés liberal con el que por entonces se llega a una alianza geoestratégica antibritánica. Por otra parte, se incide en el enorme poder que seguía teniendo el Tribunal de la Santa Inquisición, que citó y finalmente imputó a Goya por sus dibujos grabados y obras más ambiciosas, que exponían situaciones sociales horribles en las que la Inquisición y la propia Iglesia tenían un papel destacado.

 

Además, por entonces en la dictadura no había empezado el fenómeno del destape, que comienza con Franco prácticamente muerto, y sin embargo aquí tenemos contada la historia de las ‘Majas’, cuadros de una bella mujer pintados por Goya en los que sale desnuda y vestida. Muchas fuentes apuntas, y la película se hace eco de ello, que fueron fruto de la relación amancebada -y extramatrimonial en el caso de Goya- que tuvieron el pintor y la Duquesa de Alba. Para finalizar, nos muestra ciertos retazos de cómo era la sociedad del momento, con enorme ebullición política junto con un clima de pobreza y marginalidad bastante grande. Por suerte hubo países como la RDA que pudieron llevar a la gran pantalla segmentos de la historia del estado español que por entonces no podían llevarse a cabo de manera veraz y que cuestionara los cimientos del régimen de entonces, que en último término era continuista de la monarquía absoluta de aquella época.

 

Muy recomendable.

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Los hechiceros de la guerra

Título original: Wizards
Dirección: Ralph Bakshi
Guion: Ralph Bakshi
Música: Andrew Belling
Productora: 20th Century Fox
País: Estados Unidos
Año: 1977
Duración: 82 min.

La eterna lucha entre el bien y el mal la encontramos en esta originalísima obra de animación encarnada en dos hermanos magos enfrentados: uno apoya la vida en armonía con la naturaleza y el respeto por la autonomía política de las diversas regiones, mientras que el otro busca dominar el mundo bajo el precio que sea. En su primer intento no le salió bien, así que recurre a dos elementos que caracterizan la propia historia del capitalismo en los siglos XIX y XX: la tecnología y la propaganda. Desentierra conocimiento del pasado y crea una industria armamentística sin igual, a la vez que se hace con materiales gráficos del III Reich que proyecta para envalentonar a sus tropas, asustar a sus enemigos e inspirarse de cara a las políticas internas de su régimen.

 

Con ciertos elementos recuerda bastante a la obra de J.R.R.Tolkien El señor de los anillos (magia, mundo medieval, lucha entre dos magos, uso de la industria tecnológica por parte del mago malo…), pero en este caso alude aún más a lo maligno de la tecnología, relacionándola incluso con el nazismo, aunque las protagonistas la llegarán a usar puntualmente para favorecer sus fines. Junto a esto nos encontramos también una alegoría de la Segunda Guerra Mundial, con una fuerza imperialista de amplio corte autoritario invadiendo poblaciones menos militarizadas y con regímenes políticos más laxos. Quizás esta película es sobre todo conocida por su originalidad en muchos planos: superpone dibujos animados a archivos audiovisuales de dicho conflicto bélico, y para rizar el rizo los llega a pintar con los colores de las tropas de la película. En algunos casos son fotogramas de películas estrenadas pocos años antes, como Patton (Franklin J. Schaffner, 1970). Buena estrategia de ahorro de horas de trabajo que le deja una marca muy sui generis.

 

Muy recomendable.

 

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Había que sobrevivir

Título original: Playing for Time
Dirección: Daniel Mann, Joseph Sargent
Guion: Arthur Miller
Música: Brad Fiedel
Fotografía: Arthur J. Ornitz
Reparto: Vanessa Redgrave, Jane Alexander, Maud Adams, Christine Baranski, Robin Bartlett, Marisa Berenson
Productora:
Szygzy Productions
País: Estados Unidos
Año: 1980
Duración: 150 min.

Cuando empezamos a ver la película, sin conocer su argumento, nuestro primer pensamiento fue “Oh, no, otra película más del Holocausto”. Y no es que nos parezca que sea un tema que deba permanecer en un plano secundario, sino que ha sido sobreexplotado por el cine, en ocasiones con fines comerciales y nada didácticos o concienciadores -cuando no con fines sionistas pro Estado asesino de Israel-.

 

Sin embargo, para empezar ya hay un elemento diferenciador de la inmensa mayor parte de las películas al respecto: se desarrolla en un campo de concentración de mujeres, en concreto en el que había en Auschwitz. Las protagonistas, mayoritariamente judías, consiguen sobrevivir debido a que el campo quería que hubiera una orquesta, primero para ponerle música al transporte de las nuevas personas que llegaban al campo, la mayoría muriendo al poco en las duchas gaseadas, y más tarde para realizar conciertos que deleitaran a las jerarquías de las SS que gestionaban el campo. Así pues, nos encontramos con una historia de colaboracionismo junto con leves intentos de resistencia, disputas internas muy fuertes, incertidumbres y con un trato entre las protagonistas bastante alejado del trato que se dan los protagonistas de las obras sobre este tema protagonizadas por hombres. Eso sí, no nos ha gustado nada la moralidad con la que se trata el trabajo sexual que ejerce una de las protagonistas. Moralidad que en ocasiones parece caer entre la realidad de los acontecimientos, pero en otras y sobre todo en último término viene a ser una criminalización de esta práctica, lo cual queda del todo desubicado si tenemos en cuenta que durante la Segunda Guerra Mundial las prostitutas fueron unas de las más infalibles espías a favor de la causa aliada y soviética.

 

Interesante y con una visión que aporta mucho matiz a este trillado tema. Recomendable.

 

Por cierto, si sois suficientemente sibaritas del cine de este conflicto bélico, os advertimos desde ya que os quemarán los ojos al ver cómo los soldados del Glorioso Ejército Rojo llevan uniformes del ejército británico. Había que ahorrar en presupuesto, suponemos.

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La advertencia

Título original: Die Mahnung / Preduprezhdenieto / Preduprezhdenie 
Dirección: Juan Antonio Bardem
Guion: Juan Antonio Bardem, Lyuben Stanev
Música: Kiril Tsibulka
Fotografía: Plamen Vagenshtain
Reparto: Peter Gyurov, Nevena Kokanova, Asen Kisimov, Boris Lukanov, Jürgen Christoph Kamcke, Lutz Riemann, Willi Schrade, Ursula Amberger, Karl Heinz Oppel, Gavril Tzonkov, Asen Dimitrov, Alexander Lilov, Dobromir Manev, Anya Pencheva, Ana Delibasheva
Productora: Coproducción Bulgaria-Alemania del Este (RDA)-Unión Soviética (URSS)-Hungría;
Bulgarofilm, Boyana Film, MAFILM Stúdió 3, Deutsche Film (DEFA)
País: Bulgaria
Año: 1982
Duración: 157 min.

En febrero de 1933 el Reichstag, nombre que recibe el parlamento alemán, ardió oportunamente para beneficio de un Partido Nazi que llevaba tres semanas en el gobierno y no ocultaba sus aspiraciones de gobernar precindiendo de él. Para cumplir dos objetivos a la vez, se culpó al Partido Comunista de organizar el incendio, ya que era su principal fuerza opositora. Marinus van der Lubbe, un antiguo militante del Partido Comunista Holandés que mostraba evidentes signos de neurodivergencia, fue instrumentalizado para que cargara él sólo con la culpa material, a pesar de que en el propio juicio quedó demostrado que era imposible que aquello lo llevara a cabo una única persona. Y los autores intelectuales fueron cuatro comunistas delatados por el propietario de un bar, entre ellos el mismísimo Georgiy Dimitrov, presidente por entonces de la III Internacional Comunista.

 

La película nos narra su vida, centrada principalmente en la organización del congreso antifascista de la Internacional de 1931, que, como dice la película, pretendía ser una advertencia para los fascismos por venir de que se iban a encontrar con un proletariado organizado dispuesto a combatirles. Dimitrov vio desde antes que el resto de la Komintern, y en especial antes que la URSS, el peligro que demostraban estos regímenes, minusvalorados como una forma más de capitalismo por la mayoría de correligionarios suyos hasta bien entrada la década de los años 30. En la película vemos cómo intenta llegar a pactos con el Partido Socialdemócrata Alemán. Y es que habían estado años a la greña comunistas y socialdemócratas, los primeros con una política sectaria y autorreferencial que llegaban a colocar a sus rivales dentro del marxismo como el peor enemigo de todos, peor que el capitalismo o sus criaturas nazis, y los segundos manteniendo el estado alemán, reprimiendo a sangre y fuego a comunistas, anarquistas y quien se cruzara, asesinando a sangre fría a miles de obreros y a les fundadores del propio partido comunista, y llegando a criminalizar y renegar de sus propias bases si llegaban a pactos locales con el sector comunista o se organizaban de manera armada para defenderse de los ataques nazis. Con este panorama no es de extrañar el auge del Partido Nazi hasta que pararlo era extremadamente complicado, y no pudo hacerse. No sería hasta 1936 cuando la Komintern decide colocar el antifascismo como prioritarísimo en su agenda, haciendo un llamamiento a amplias coaliciones electorales incluso con el sector izquierdista de la burguesía.

 

La otra gran narración de la película es el proceso judicial, en el que Dimitrov asumió su propia defensa. Sus soflamas fueron internacionalmente seguidas, escandalosamente publicadas en toda la prensa alemana -y manipuladas en la mayor parte de los diarios, pues los no alineados con el nuevo régimen habían sido atacados, cancelados o ilegalizados por comunistas, lo fueran o no- y provocaban la ira del juez presidente de la sala y de todo el Partido Nazi. Llegó a interrogar en calidad de abogado defensor al propio Hermann Göring, de quien se sospechaba que había sido el organizador del incendio del Reichstag, dato que terminaría corroborado por confesiones reiteradas que hizo años después a un gran número de correligionarios.

 

Dos horas y media que se pasan bien rápido si te gustan las películas que reproducen esta parte de la historia con realismo y originalidad. En este caso de la mano del mismísimo Juan Antonio Bardem, contratado por la URSS para dirigir este film. Ello implica que quizás las autocríticas hacia la Internacional no sean tan duras como merecerían ser, al fin y al cabo en los años treinta estaba Stalin al mando, y cuando se rodó la película aún vivía Brezhnev, su más fiel admirador de entre todos los secretarios generales del Partido Comunista de la Unión Soviética que le siguieron tras su muerte. Aún así, muy recomendable.

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Spree

Título original: Spree
Dirección: Eugene Kotlyarenko
Guion: Eugene Kotlyarenko, Gene McHugh
Fotografía: Jeff Leeds Cohn
Reparto: Joe Keery, Sasheer Zamata, David Arquette, Kyle Mooney, Mischa Barton, Frankie Grande, Lala Kent, Joshua Ovalle, Reatha Grey, Caroline Hebert, Sunny Kim, Linas Phillips, John DeLuca
Productora: F
orest Hill Entertainment
País: Estados Unidos
Año: 2020
Duración: 93 min.

Nos encontramos ante una sátira muy mordaz del mundo youtuber llevada hasta el extremo. Kurt Kunkle quiere ser un famoso youtuber a toda costa, así que en cierto momento decide pasar a trabajar en una empresa de transporte de usuarios llamada como el título de la película, llenar el coche del trabajo de cámaras hasta arriba y retransmitir en directo el asesinato de sus clientes. Si la cosa ya se va de las manos en los primeros minutos de la película, a medida que avance la cosa es cada vez más extrema, y se entrelaza con los directos de otres youtubers, lo cual no deja de proporcionarle de manera exponencial cada vez más visitantes hasta llegar a decenas de miles, sin que a nadie se le ocurra informar a la policía de lo que está ocurriendo -esto no quiere decir que la policía no aparezca en la película, pero son demasiado gilipollas como para conseguir detenerlo-. Además de esto, nos ha gustado que se coloquen sobre la mesa cuestiones como el racismo y el machismo, impregnadas también en este mundo digital como es lógico. Las personas que los sufren en la películas tienen estrategias más que desarrolladas para hacerle frente, llegando a niveles muy jartos.

 

En fin, que estamos ante una película entretenida, gore, explosiva y sobre todo muy original. Muy recomendable.

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Los miserables

Título original: Les misérables
Dirección: Ladj Ly
Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manenti
Música: Pink Noise
Fotografía: Julien Poupard
Reparto: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga, Jeanne Balibar, Steve Tientcheu, Issa Perica, Al-Hassan Ly, Almamy Kanoute, Nizar Ben Fatma, Raymond Lopez, Luciano López, Jaihson Lopez, Sana Joachaim
Productora: Lily Films, Rectangle Productions, Srab Films, Canal+, Le Pacte, Ciné+, Wild Bunch, Lyly Films, Région Ile-de-France, Cinéfeel

País: Francia
Año: 2019
Duración: 102 min.

Es el primer día de trabajo de Stéphane Ruiz, llegado de la zona de Calais por petición propia para estar más cerca de su hijo, que tiene en custodia compartida y ahora se halla en París. Es destinado a uno de los distritos más acosados por la policía debido a la pobreza y afrodescendencia de sus habitantes, y allí puede ver las lamentables estrategias de sus compañeros, como el maltrato de sus habitantes, el chantaje, las actitudes pasivo-agresivas, las amenazas, las palizas, y una situación que se les va de las manos y puede provocar una revuelta en el barrio. Uno de sus compañeros es también afrodescendiente, utilizando este factor para apaciguar ánimos, y que es además utilizado por el cuerpo policial para negar que sus actuaciones son racismo. También nos muestra una panorámica del funcionamiento interno del barrio: la idiosincrasia de algunos traficantes, vecinos ex-presidiarios, la figura del Tío Tom apaciguador de la ira de sus correligionarios de raza, el papel del sector musulmán en material cultural, comunitaria, proselitista y opuesta al poder , los niños…

 

A pesar del título, la película tiene poco que ver con el transcurso de la novela de Victor Hugo, pero sí a nivel espacial: transcurre en el barrio donde el famoso literato vivía cuando la escribió. Ahora ‘los miserables’ son otros, sin lugar a duda. Y estos miserables, al igual que en la novela, también se sublevan contra la autoridad de diversas maneras. Aquí vamos a dejar la reseña, porque el final de la película es extasiante, a pesar de que queda abierto.

Muy recomendable.

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Cam

Título original: Cam
Dirección: Daniel Goldhaber
Guion: Isa Mazzei
Música: Gavin Brivik
Fotografía: Katelin Arizmendi
Reparto: Madeline Brewer, Samantha Robinson, Patch Darragh, Melora Walters, Devin Druid, Imani Hakim, Michael Dempsey, Flora Diaz, Jessica Parker Kennedy, Quei Tann, Linda Griffin, Clint Jung, Carl Donelson
Productora: Divide/Conquer, Blumhouse Productions, Gunpowder & Sky

País: Estados Unidos
Año: 2018
Duración: 94 min.

La guionista plasmó en esta película sus propios miedos mientras trabajaba de webcamer erótica. La protagonista se quiebra la cabeza buscando estrategias para avanzar de puesto en el ranking de chicas de una página de webcamers. En cierto momento nota que su cuenta le ha sido robada. Y aquí empieza una historia de terror que lleva a situaciones auténticamente delirantes, todas mediadas por el mundo que subyace tras este trabajo: competencia entre las webcamers, dependencia de señores con intereses a menudo opuestos a ellas cuando no lesivos, plataformas que sólo admiten contacto digital y que no resuelven los problemas de las trabajadoras…

 

Buena historia, buen guion y de una originalidad apabullante, que hace una crítica al patriarcado y a la precariedad laboral, sin cuestionar en ningún momento el trabajo sexual como una opción laboral igual de respetable que el resto. Muy recomendable.

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Pornocracy: Las nuevas multinacionales del sexo

Título original: Pornocratie: Les nouvelles multinationales du sexe
Dirección: Ovidie
Guion: Ovidie
Música: Geoffroy Delacroix
Fotografía: Ovidie, Franck Rabel, Lars Skree
Productora: Canal+, CNC, Fatalitas Productions, Magneto Presse.
País: Francia
Año: 2017
Duración: 77 min.

Ovidie antes de ser una de las directoras feministas más conocidas -y lo cierto es que se lo merece, visto que el material que hace es de alta calidad cinematográfica y sobre todo política- era trabajadora sexual, y en concreto trabajó en la industria pornográfica como actriz. Así fue hasta que las condiciones laborales empeoraron, y terminó dando el paso al otro lado de la cámara. La razón por la que la precarización de esta industria aumentó exponencialmente la encontramos en esta documental: un monopolio se hizo con infinidad de canales de pornografía gratis de internet (redtube, pornohub, pornotube… decenas y decenas de páginas que aparecen en los primeros puestos de los principales buscadores si buscas porno en internet), y así gran parte de la clientela previa dejó de pagar por el porno que veía. Estos canales además a menudo roban vídeos, se quedan con una cantidad abusiva del dinero que generan las personas que ruedan porno y lo suben a sus canales, y han generado que el resto de la industria sea incapaz de competir, provocando una rebaja en los sueldos, entre otras cosas.

 

Gracias al discurso pro-sexo impregnado en todo el documental, lo que vemos es lo que debería ser deseable en todo producto que llevara la etiqueta de feminista: una crítica a las estructuras capitalistas de la industria, llevadas además por hombres cisheteros en la gran parte de las veces, sin cuestionar en ningún momento el trabajo de las actrices o la legitimitad del porno. Tras ver el documental cualquier persona consumidora de porno se queda con ganas de ver otro tipo de pornografía para no darle visitas a estos explotadores. Y afortunadamente la hay, gratis y no.

 

Muy recomendable.

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