Chaco

Título original: Chaco
Dirección: Diego Mondaca
Guion: Diego Mondaca, César Díaz, Pilar Palomero
Fotografía: Federico Lastra
Reparto: Fabián Arenillas, Raymundo Ramos, Omar Calisaya, Mauricio Toledo, Jorge Arias, Alex Marcial, Edmundo Conde, Eros Zamorano Ramallo, Hernan Pari Salome, Javier Tintaya, Luis Moraile, Roberto Ignacio Mamani, Renaldo Casu, Juana Rivero
Productora: Coproducción Bolivia-Argentina;Color Monster, Pasto Cine, Murillo Cine
País: Bolivia
Año: 2020
Duración: 77 min.

Esta dura y asfixiante película se desarrolla en el Desierto de Chaco en 1934, durante la llamada Guerra del Chaco (1932-1935), en la cual Bolivia y Paraguay se disputaron el Chaco Boreal, mal delimitado desde las independencias de inicios del siglo XIX, y que a pesar de su clima semi-desértico y de ser un territorio inhóspito, complicado y lleno de tribus salvajes para los gobernantes de ambos países, comenzó a tener una importancia clave para Bolivia tras perder en 1884 su salida al mar frente a Chile, pues por ahí pasaba el río Paraguay, conectado en última instancia con el Océano Atlántico. El gobierno paraguayo se comenzó a poner nervioso por las cada vez más frecuentes operaciones bolivianas que ocurrían en suelo que consideraba suyo, y la escalada sucesiva propició la guerra. Terminada finalmente con victoria paraguaya y un límite de fronteras entre ambos países que llega hasta hoy, la guerra fue una especie de guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial en versión cutre: a menudo no se sabía bien qué había conquistado cada bando, las líneas variaban casi cada día, el armamento estaba a menudo desfasado, las movilizaciones forzosas estuvieron a la orden del día y las deserciones también, especialmente en el lado boliviano. De las 100000 muertes que aproximadamente hubo entre ambas partes (mayoritariamente bolivianas), la mitad o puede que incluso más fue debida a la ausencia de una sólida intendencia en ambos ejércitos, unida a la escasez de agua y vegetación comestible en la zona, o a la destrucción de esto por los combates, puesto que en la región desde hacía siglos vivían diferentes etnias tribales en consonancia con el clima.

Y después de esta introducción para entender un poco de qué va la película, puesto que no es una guerra sobre la que haya costumbre de hacer películas (es la primera y por ahora única que aparece en este blog), pasamos al argumento: un regimiento del ejército boliviano vaga por el Chaco buscando rivales paraguayos. Al mando del capitán Kundt, veterano del ejército alemán en la Gran Guerra, avanzan pese a todas las señales en contra buscando un enemigo fantasma, pasando fatiga sed, hambre y alucinaciones. Salvo los oficiales, el resto de la tropa son miembros de poblaciones indígenas lanzados a la guerra de manera forzada, que fueron la carne de cañón del ejército boliviano y quienes más cayeron muertos, heridos o prisioneros.

No es una película manifiestamente antimilitarista, pero ni mucho menos militarista. Si que nos hubiera gustado que se mojaran más con temas como el reclutamiento forzoso, pero es bastante complicado no entender el lamentable papel de los oficiales blancos (y uno encima europeo) a lo largo de toda la película, y las horripilantes condiciones de los soldados saltan a la vista en prácticamente cada escena. Es una película bélica, pero no hay ni un solo enfrentamiento armado, no aparece ni un solo soldado paraguayo y los únicos dos disparos que se dan en todo el film son autoinflingidos.

Por cierto, le hemos dado mucha cera al bando boliviano, pero en Paraguay no se quedaron atrás: José Félix Estigarribia, Comandante en Jefe del ejército durante la guerra, acabó siendo el primer presidente de Paraguay en la dictadura militar que inició en 1940 y que terminó en 1948 tras una guerra civil fruto de la insurrección comunista y liberal que intentó ponerla fin, con algo de éxito. Los guiñitos a Hitler y más tarde al imperialismo yanqui estuvieron a la orden del día -hasta el punto de que EEUU ayudó a la dictadura en la guerra-, y por cierto, uno de los comandantes de esta guerra civil fue el anticomunista patológico Alfredo Stroessner, dictador de Paraguay entre 1954 y 1989, que acogió a muchos nazis alemanes huidos y que sirvió de base de la Operación Cóndor, planes de contrainsurgencia contra movimientos marxistas y populares en América latina. En resumen, que ya podría el cine paraguayo hacer una pieza fílmica autocrítica de la calidad de la presente, aunque la deriva política de las últimas décadas del país lo hace más complicado que en el caso de Bolivia.

Muy recomendable.

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Tu me manques

Título original: Tu me manques
Dirección: Rodrigo Bellott
Guion: Rodrigo Bellott
Fotografía: Noah Greenberg
Reparto: Oscar Martínez, Rossy de Palma, Fernando Barbosa, Rick Cosnett, Dominic Colon, Max Emerson, Modesto Lacen, Frank Huerta, Dale Dymkoski, Tommy Heleringer, Babak Tafti, Steven Mendez, Jose Duran
Productora: Coproducción Bolivia-Estados Unidos; Kantrr Films, La Panda, SimonSays Entertainment
País: Bolivia
Año: 2019
Duración: 105 min.

Basada en la obra teatral homónima, y a su vez en un caso real, nos encontramos un tema esencial de la comunidad LGTB como eje central político de la trama: el sexilio. Gabriel conoce en Nueva York a Sebastián, ambos originarios de Bolivia, y así termina el deseo homosexual reprimido que había tenido durante años, que le había impedido tener relaciones afectivo-sexuales con hombres. Sin embargo, en los primeros minutos de la película nos enteramos de que Gabriel se ha suicidado, después de una ruptura en la que parece tener una importancia determinante la homofobia y el rechazo de su familia, y la obligación que había sentido de armariarse. Confundido y cuestionado como padre, Jorge decide ir a Nueva York a conocer al ex de su hijo y entender qué le pudo empujar a cometer su suicidio.

Y no continuaremos para no recaer en spoilers, ya que la película va sorbito a sorbito revelando las tramas que hay alrededor que terminan llevando a Gabriel a quitarse la vida, sin lugar a duda debido a la homofobia hegemónica en gran parte de la sociedad boliviana. Su ex novio hizo una obra de teatro con esto, que aparece parcialmente presentada en el film, la cual ha sido un hito histórico en la comunidad LGTBI boliviana, provocando salidas del armario masivas en los días siguientes y colocando la cuestión sobre la mesa del debate político y social. La película viene a reverberar este éxito, que no ha hecho más que multiplicar. Rodrigo Bellott, dramaturgo y cineasta boliviano afincado en Nueva York, escribió la obra a partir de la pérdida -suicidio por lo que se traduce de declaraciones suyas en internet- de su novio y de sus ganas de enviarles una carta a sus homofóbicos padres en el preciso momento en el que le contactaron para un festival sobre obras en torno al amor. En la historia real, Rodrigo no tuvo la visita del padre de su fallecido novio, como hubiera querido según se traduce de su obra.

Nos ha gustado mucho, por ser un caso real, por el planteamiento de la película y por el proceso del padre que va entendiendo las cosas. Nos ha recordado mucho a Prayers for Bobby (Russell Mulcahy, 2009), aunque son muy diferentes, principalmente en su origen: la citada tiene a la madre del suicida como protagonista, que termina deviniendo en una férrea activista de nuestra comunidad hasta nuestros días, mientras que la presente tiene a su ex y a su padre de protagonista, y el activismo LGTBI aparece de manera extremadamente velada. En cualquier caso, no es casualidad que el eje central de la homofobia de las familias de ambos casos fue el perjuicio que provoca la religión y sus doctrinas perniciosas en cuanto a libertad sexual (o sea, su ideología de género, por mucho que ahora sus fieles quieran darle la vuelta a la tortilla y acusar a los otros de imponer su visión de la sexualidad, como si su institución no llevara haciéndolo siglos). Y en cambos casos la presencia de párrocos y estudiosos de la religión en clave pro-sex es determinante para el proceso de los progenitores.

No nos ha gustado el discurso esencialista que reina todo el tiempo en el discurso de la película. Los gays son gays por biología y no por elección, o al menos usan este argumento para justificarse ante la norma hetera, y las personas trans han nacido en un cuerpo equivocado, como si para ser trans hubiera que operarse necesariamente y hacerse todo tipo de cosas que no todo el mundo quiere tener que hacerse. Obviamente planteadas las cosas así tienen más papeletas para convencer al público al que van dirigidas obra de teatro y largometraje, un público atiborrado durante décadas de dicursos que pretenden sustituir al dios cristiano por el dios Ciencia. Pero esta no es la vivencia de toda la comunidad LGTBI ni mucho menos, aunque gran parte de los productos culturales al respecto vayan en esta línea.

Recomendable.

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El Hoyo

Título original: El Hoyo
Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia
Guion: David Desola, Pedro Rivero
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Productora: Basque Films, Mr Miyagi Films, RTVE, ETB, Zentropa International Spain, Eusko Jaurlaritza, ICAA, Consejería de Cultura del Gobierno Vasco, Instituto de Crédito Oficial (ICO)
País: Reino de España
Año: 2019
Duración: 94 min.

Estamos ante una original y entretenidísima alegoría de la sociedad de clases. Nos puede llegar a parecer extrema, pero comparada de manera cruda con el mundo real, no lo es, incluso puede quedarse corta. Los protagonistas de la historia están atrapados por un tiempo determinado en una cárcel, ya sea por voluntad propia o por castigos impuestos por el sistema judicial. La cárcel es conocida como ‘El Hoyo’, es una estructura vertical de decenas y decenas de plantas. La comida baja en una mesa de arriba hacia abajo, hay comida para que subsistan todas las plantas, pero las plantas de arriba comen desmesuradamente todo lo que les cabe y les da tiempo, provocando que a partir de cierta planta la comida se acabe y la gente del final se muera de hambre, se suicide, se maten entre ellos o aprovechen el cadáver de algún suicida. Vamos, que se llama ‘El hoyo’ pero podría haberse llamado ‘globalización’ y sería más explícito aún si cabe. Con la diferencia de que en este caso una vez al mes le cambian de planta, y pueden acabar en una superior, o en una inferior.

Las actitudes de los protagonistas son diversas, y ejemplifican las actitudes ante la sociedad de clases que tiene la población: el conformismo si te ha tocado en una planta intermedia, el egoísmo si estás en una de las primeras, el canibalismo social -literalmente en algunos casos- en el caso de estar en una de las últimas, la discriminación a la gente de más abajo por parte de la de arriba aunque vengan del mismo sitio, el ultraindividualismo absoluto, el elegir “ser lobo o ser cordero” cuanto más abajo están… El llamado ‘dilema del prisionero’, el hecho de que dos o más personas atacadas por una misma causa se nieguen a colaborar entre ellas a pesar del visible beneficio que tendría para ellas, es a nivel masivo en este caso, llegando a superar en lamentabilidad a los personajes más destestables de películas muy similares, como la saga Cube. La sociedad que hay fuera del escenario del film parece bastante parecida a la actual: como mínimo hay clasismo y racismo. Como en el Reino de España a fecha de estreno de la película, una gran cantidad de las personas que están dentro de ‘El Hoyo’ son racializadas, incluyendo algunos de los personajes principales de la trama. Y también hay señores blancos privilegiados que están dispuestos a matar -activa o pasivamente- a quien haga falta por sobrevivir y salir de ‘El Hoyo’ sin cuestionar las normas del lugar ni intentar destruirlas o cambiarlas. Algunos tienen pinta de fachas añorantes del franquismo, a otros sólo les falta la simbología hitleriana para parecer neonazis, y algunos son ciudadanos normales que procuran pasar despercibidos y que se callan al ver cómo muere el de al lado. Los protagonistas del film, con sus límites y sus momentos oscuros, intentan cambiar la situación como pueden, tienen debates, cambian de estrategia y mientras tanto van sobreviviendo. Vamos, que parecen una alegoría de los movimientos sociales o algo por el estilo que se oponen como mínimo al capitalismo o a muchas de sus consecuencias.

La película la verdad es que es tremenda, la única cosa que nos raya -además de los pobres caracoles que aparecen muertos o no sabemos hasta qué punto si son o no efectos especiales- es que se trate de una película comercial con un presupuesto cuanto menos desahogado, y que forme parte de la comercialización de la rebeldía en la que la sociedad del espectáculo lleva inserta medio siglo ya, pero por lo menos da para reflexionar sobre muchas mierdas que existen en nuestra actualidad más actual y que tienen como origen principal el sistema económico capitalista y sus estructuras de poder.

Muy recomendable.

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El cuento de la doncella

Título original: Die Geschichte der Dienerin
Dirección: Volker Schlöndorff
Guion: Harold Pinter
Música: Ryuichi Sakamoto
Fotografía: Igor Luther
Reparto: Natasha Richardson, Faye Dunaway, Aidan Quinn, Elizabeth McGovern, Robert Duvall, Victoria Tennant, Traci Lind, Blanche Baker
Productora: Coproducción Alemania-Estados Unidos; Bioskop Film, Cinecom Entertainment Group, Cinétudes Films
País: Alemania
Año: 1990
Duración: 109 min.

Aunque no hemos leído la obra de Margaret Atwood, esta interesante y tremenda película guarda infinidad de diferencias con la serie que en la época actual está petándolo (y no es para menos, está bastante bien, aunque no vamos a incluirla en este blog hasta que haya terminado y podamos valorar lo que aporta y lo que no en panorámica). En el caso de la película, Gilead es un nuevo estado constituido encima de lo que en su día eran los EEUU, surgido de un movimiento de ultraderecha preocupado por la infertilidad que generó los niveles de contaminación a los que llegó el planeta. La solución es secuestrar a las mujeres fértiles -renombrándolas como ‘doncellas’- y hacerlas procrear para parejas que son infértiles, mediante la violación del marido con apoyo de la esposa en un ritual pretendidamente bíblico. O lo que es lo mismo, el derecho de pernada y los demás privilegios medievales pero a finales del siglo XX y en otro contexto social, económico e industrial.

 

Gilead se ve afectado por un movimiento de resistencia armado, llamado no por casualidad 1.º de mayo. Esta referencia y las reiteradas alusiones a los fuertes movimientos sociales feministas, homosexuales y antirracistas de los años 70 nos dibujan un cuadro de disidencia bastante políticamente ubicado en la izquierda radical, protagonista de los grupos armados de la época, aunque en la serie esto ha quedado omitido o cuanto menos descafeinado. Nuestra protagonista no tarda en conectar con este movimiento, engrosado en todos los sectores de Gilead, incluso en sus fuerzas armadas, y obviamente también entre sus doncellas.

 

Por lo demás, la película nos muestra cómo sería un estado teocrático en la actualidad: altas jerarquías de la élite gobernante frente al resto de la población, estado policial y militarizado, racionamiento, gente con mascarillas -en esto la película fue visionaria-, privilegios del estamento gobernante, militar y eclesial, ejecuciones públicas de disidentes de las normas sociales y del pensamiento político al estilo inquisitorial, y por supuesto lupanares clandestinos reservados para la élite a donde poder ir a esparcirse entre los placeres del mundo anterior que contribuyeron a derribar. Vamos, como en todas las épocas.

 

Tremenda pieza audiovisual de ciencia ficción feminista. Muy recomendable.

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La séptima cruz

Título original: The Seventh Cross
Dirección: Fred Zinnemann
Guion: Helen Deutsch
Música: Roy Webb
Fotografía: Karl Freund
Reparto: Spencer Tracy, Signe Hasso, Hume Cronyn, Jessica Tandy, Agnes Moorehead, Herbert Rudley, Felix Bressart, Ray Collins, Alexander Granach, Katherine Locke, George Macready, Paul Guilfoyle, Charles McGraw, Kurt Katch, Steven Geray
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
País: Estados Unidos
Año: 1944
Duración: 110 min.

Nos ha gustado esta película y la incluimos en este blog por el homenaje que rinde a las personas que dentro de la Alemania Nazi se rebelaron, ya fuera mediante fugas de campos de concentración como apoyando a las personas huidas. Incluyendo, por ejemplo, procesos de desengaño del nazismo tras años y años de efectiva propaganda y censura de toda la represión interna de disidentes. Sin embargo, la película está repleta de tópicos cristianos, empezando por lo que da el título a la misma: se escapan siete presos de un campo de concentración, y les colocan unas cruces para cuando sean capturados, morir en ellas. Esta práctica, sin descartar que en alguna ocasión fuera empleada por comandantes de ‘lager’, desde luego no era lo habitual. Después nos encontramos mogollón de referencias verbales, por el narrador y otros personajes, en plan ‘Alemania era un país cristiano antes pero ahora su alma está en otro sitio’. Como si las gigantescas matanzas perpetradas los siglos anteriores bajo el colonialismo no hubieran sido llevadas a cabo por auténticos devotos de Cristo temerosos de Dios cuya pertenencia al cristianismo no ha sido apenas cuestionada a pesar de sus actos. Y por último, nos encontramos con esa dinámica que recuerda bastante a la martirización, con gente desarmada y nada violenta luchando contra Leviatanes armados hasta los dientes y engrosados en toda capa social, como Jesús de Nazaret contra Roma y los judíos colaboradores.

No hay que olvidar que esta película forma parte de la propaganda de guerra antinazi: fue estrenada en 1944, y sin duda uno de sus objetivos era sensibilizar a la opinión pública en contra del nazismo. El cristianismo, la piedad, la lucha del pueblo contra el mal gobierno o lo que fuera eran elementos más que utilizables con el fin de vencer militarmente al III Reich también en el frente interior, teniendo el máximo apoyo de la población.

Cuanto menos digna de ver, capta el interés y a nivel histórico es importante.

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El poder del perro

Título original: The Power of the Dog
Dirección: Jane Campion
Guion: Jane Campion
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Ari Wegner
Reparto: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Geneviève Lemon, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata
Productora: Coproducción Australia-Reino Unido-Nueva Zelanda-Canadá; See-Saw Films, Cross City Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, New Zealand Film Commission.
País: Australia
Año: 2021
Duración: 128 min.

Estamos ante un western centrado en temáticas de género de manera bastante explícita. Ambientado en el “final” del conocido como Salvaje Oeste (1925 en adelante), dos hermanos grandes propietarios de ganado y terrenos de la zona comienzan a diferir a raíz de la boda de uno de ellos con la viuda de un conocido suicida de la zona (en ese momento podemos imaginarnos lo que implica el suicidio) y madre de un chaval que tiene toda la pluma de la zona junta. El otro hermano es la encarnación de la masculinidad tóxica de la zona: ultramacho, misógino, homófobo, jefe en el mundo laboral… Su vida social consiste en machirulear con los empleados y aislarse en el rancho recordando viejos tiempos y a su “mejor amigo” e instructor que se le enseñó todo lo que sabe (algo que recuerda bastante al modelo griego de masculinidad y relaciones homoeróticas adulto-joven, aunque en la película toda desviación sexual se insinúa, nunca queda clara).

La película nos recoge infinitos temas en relación a la construcción de la masculinidad, al deseo, a la relación con las mujeres y a algunos que otros temas más, como por ejemplo el mundo rural del momento en la zona (está ambientada en Montana), el racismo generalizado contra la población india (tanto por sirvientes como por propietarios)…

Las actuaciones son tremendas, acompañadas de detalles como que uno de los actores principales estuvo semanas sin ducharse, o que se distanciaba a actores entre ellos para que la tensión que había entre ellos fuese real.

Muy recomendable.

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El destacamento rojo de mujeres

Título original: Hong se niang zi jun
Dirección: Xie Jin
Guion: Liang Xin
Música: Huang Zhun
Fotografía: Shen Xilin
Reparto: Chen Qiang, Tie Niu, Wang Xingang, Xiang Mei, Zhu Xijuan
Productora: Tianma Film Company
País: China
Año: 1961
Duración: 120 min.

En esta interesante película de revolución comunista china nos encontramos como protagonistas a un batallón de mujeres, algo nada habitual en el cine de la época, tampoco en el comunista, a pesar de sus pretensiones teóricamente liberadoras de la mujer. Por esta razón se encuentra en este blog. Qionghua es vendida como esclava al mandamás de la zona, persona de confianza en la región de Chiang Kai-Shek y del Kuomintang (Partido Nacionalista Chino, de tendencia liberal), a raíz de que por culpa de éste se quedara huérfana. La presencia del Partido Comunista y de sus enviados en la zona consigue su liberación y pasa a engrosar el Batallón de Mujeres, que tendrá un papel fundamental en la liberación de la zona.

De la poca información encontrable en internet en inglés y castellano podemos constatar que en 1930, década en que se ambienta la película, se montó un batallón de mujeres en la isla de Hainan (sur de China), donde hubo enfrentamientos entre liberales y comunistas al igual que prácticamente en todo el territorio.

Los batallones de mujeres existieron durante la Guerra Civil china (1927-1937) y tuvieron papeles reseñables, y al igual que aparece en la película -el hecho de que no se corten en una película evidentemente propagandística como es ésta demuestra que es más que cierto- estaban supeditadas a la comandancia superior del partido, donde eran muy principalmente hombres, empezando por el propio Mao. Así que este batallón, a pesar de ser sólo de mujeres y tener sus propias oficiales, no participan en las decisiones estratégicas importantes y van allá donde les dicen sus masculinos superiores.

Sin embargo, sí que las vemos luchando encarnizadamente contra el ejército chino, liberándose y liberando a otras mujeres, incluso a hombres, y esas imágenes merecen mucho la pena, sobre todo si somos capaces de discernirlas de los enormes crímenes cometidos en la China con Mao vivo, en la deriva lamentable que el régimen tuvo una vez éste desapareció. El comunismo chino, al igual que el resto, tuvo elementos liberadores, y aquí podríamos encontrar uno de sus episodios muy interesantes.

Recomendable.

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El tren de Bertha

Título original: Boxcar Bertha
Dirección: Martin Scorsese
Guion: Joyce Hooper Corrington, John William Corrington
Música: Gilb Guilbeau, Thad Maxwell
Fotografía: John M. Stephens
Reparto: Barbara Hershey, David Carradine, Barry Primus, Bernie Casey, John Carradine, Ann Morell, Victor Argo
Productora: American International Productions
País: Estados Unidos
Año: 1972
Duración: 85 min.

Basada libremente en el libro Sister of the Road de Ben L. Rietman, de inspiación autobiográfica, que aglutina en el personaje ficticio de Bertha Thomson su recorrido vital por los años veinte y treinta junto al de otros personajes que conoció por entonces. Esta película era la segunda producción de Roger Corman tras Bloody Mama, que narra la historia de una banda de hermanos atracadores encabezada por su madre, y que no incluimos en el blog por, entre otras razones, el talante ideológico reaccionario y supremacista blanco de sus componentes, a pesar de lo interesante de tratarse de una banda encabezada por otra mujer. Corman vio también un interés en mujeres liderando bandas de atracadores, realizando pues esta pieza, cuya protagonista está situada ideológicamente en un marco completamente opuesto.

Bertha se queda huérfana en los momentos previos del crack del 29. Para sobrevivir viaja por todo el sur de los deprimidos EEUU, primero recibiendo caridad, más tarde juntándose con sindicalistas acusados de “espías bolcheviques” y más adelante dedicándose al asalto armado con un grupo de prófugos. En el libro está más claro aún que en la película que se trata de sindicalistas de la Industrial Workers of the World, el sindicato anarquista principal de los EEUU.

Los temas que trata la película son infinitos: la crisis económica, la represión rompehuelgas, el racismo, el trabajo sexual -de una manera completamente libre de prejuicios morales-, la cárcel, la sociedad sureña, el papel manipulador de la prensa… todo ello colocando como protagonista a una mujer autónoma que toma sus propias decisiones a nivel económico, político, sexual y racial, llegando a empuñar armas.

Muy recomendable.

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Muerte en Roma

Título original: Rappresaglia
Dirección: George Pan Cosmatos
Guion: Robert Katz
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Marcello Gatti
Reparto: Richard Burton, Marcello Mastroianni, Leo McKern, John Steiner, Anthony Steel, Robert Harris, Peter Vaughan, Renzo Montagnani
Productora: Coproducción Italia-Francia
País: Italia
Año: 1973
Duración: 103 min.

En marzo de 1944 las SS asesinaron a 330 habitantes de Roma, uno de los hechos más traumáticos del siglo XX acaecidos en la ciudad eterna. La ciudad, así como todo el norte de Italia, se encontraba bajo la militarización nazi y el frágil y odiado gobierno fascista de Mussolini, que había sido depuesto el año anterior por un golpe de estado pro-aliado y vuelto a colocar en el poder mediante invasión alemana. El movimiento partisano antifascista creció exponencialmente tras estos hechos. Y en el 25 aniversario de la creación de los Fasci di Combattimento, germen del Partido Fascista, casi una compañía entera de las SS que desfilaba periódicamente por el centro de la ciudad saltó por los aires y fue ametrallada en un atentado a manos de una célula partisana romana.

La película trata como muy pocas lo han hecho la situación política interna de la Italia tardofascista: las peleas internas entre alemanes y fascistas italianos, entre Wehrmacht y SS, posturas que pretenden evitar mayores problemas con la ya quemada población italiana en caso de represalias, el trato y postura de la Iglesia Católica… En cierto momento un oficial alemán recuerda que la población de Roma no es la de cualquier aldea eslava: se trata de un país semi-aliado al que no se le pueden hacer las matanzas a las que se sometió a la práctica totalidad de territorios ocupados del este de Europa.

El proceso de organización de la masacre está narrado de manera muy detallada para lo que acostumbra el cinematógrafo: la selección de las personas asesinadas, su extracción, los bailes de cifras, las propuestas de cuántos matar por cada alemán muerto (se llega a barajar 50, y la narrativa alemana se autonombra como templada cuando el mariscal de campo Kesselring decidió bajarlo a 10), la complicidad de gobernantes y policías italianos en su realización -se usó población que no tenía nada que ver, simplemente estaba en la cárcel o vivían en la calle del atentado- y la oposición personal y colectiva de oficiales, suboficiales y cuerpos enteros alemanes a llevarlo a cabo, aunque en último término tenemos una reflexión tremenda sobre la capacidad de elegir del ser humano, en la que termina ganando -si no no habría habido matanza- la obediencia a la cadena de mando militar y al Führer.

Por último, nos queda citar que se trata de una película más que evidencia el papel colaboracionista con el Eje que tuvo el aparentemente neutral Vaticano: el Papa Pío XII se negó a recibir a nadie para hablar del tema y se limitó a lanzar un comunicado en la prensa el día siguiente que venía a culpabilizar al comando partisano de la masacre e instaba a la población romana a bajar la cabeza y no realizar nada semejante que pudiera enfada a los alemanes. En cierto momento de la película se cita directamente la tendencia vaticana más proclive al nazismo que a los aliados, puesto que los alemanes estaban siendo el último núcleo que pretendía acabar con el “comunismo ateo”. Así pues, sumamos este hecho a los múltiples crímenes que El Vaticano jamás impugno durante la Segunda Guerra Mundial, como el exterminio de judíos, gitanos, homosexuales y cualquier grupo que no fueran “cristianos de bien”.

Muy recomendable.

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Generación

Título original: Pokolenie
Dirección: Andrzej Wajda
Guion: Bohdan Czeszko
Música: Andrzej Markowsk
Fotografía: Jerzy Lipman
Reparto: Tadeusz Lomnicki, Urszula Modrzynska, Tadeusz Janczar, Janusz Paluszkiewicz, Ryszard Kotys, Roman Polanski, Ludwik Benoit, Zofia Czerwinska, Zbigniew Cybulski
Productora: Grupo Kadr
País: Polonia
Año: 1955
Duración: 87 min.

Nos ha anonadado que un director de tan exacerbado anticomunismo como Andrzej Wajda hiciera esta película en los años cincuenta que viene a ser un homenaje a esos adolescentes y jóvenes que se implicaron en la lucha contra la ocupación nazi encuadrados en el Partido Comunista Polaco. Cada cual tiene sus fases en la historia, y también no es lo mismo el cine que la censura podía permitir en los años cincuenta -recién muerto el tito Yósif- que en los setenta, con un desprestigio soviético generalizado producto principalmente de la Primavera de Praga.

Stach no está nada contento con la situación que vive el país tras ya 3 años casi de sometimiento bajo el nazismo alemán, y muchos de sus amigos tampoco. Tras sufrir un enorme abuso por parte de unos oficiales alemanes, tomar conciencia de la explotación laboral que sufre en su trabajo y conocer a una joven y atractiva comunista durante un mitin en su escuela, decide dar el paso a la lucha armada contra el fascismo.

Aunque con ciertas dosis de épica que a veces dan algo de pereza, la película relata de una manera bastante interesante el proceso de toma de conciencia y de pasar a la acción, y formas de organización internas del movimiento de resistencia, lo que le da bastante mérito y el privilegio de engrosar una entrada en este blog.

Recomendable.

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Completa en Youtube con subtítulos en inglés y en nuestro archivo.

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