En 2015, en los momentos de mayor número de personas que huían de la Guerra de Siria llegando a las costas de la isla griega de Lesbos, un grupo de socorristas de Badalona apareció por allí y estableció una rudimentaria base para rescatar a embarcaciones y personas náufragas que intentaban llegar desde la cerca frontera turca. Sería el origen de la futura asociación Open Arms, que en la última década ha salvado a miles y miles de migrantes de morir en la fosa común de personas no blancas que ha montado la Unión Europea en el mar Mediterráneo.
La película narra la historia de las personas más mediáticas en esta época, que pusieron el foco en la responsabilidad de la UE, en el blindaje fronterizo de Frontex y en la pasividad cómplice de las autoridades griegas. Éstas últimas aparecen de manera muy ambivalente en el film, a la vez corruptas, ineficaces, obstaculizantes, racistas, y con atisbos de humanidad de vez en cuando. Sin cuestionar las vivencias que pudieran vivirse -ya que uno de los protagonistas de la historia es co-guionista-, lo cierto es que quedó ampliamente demostrado en esta época que la gran mayor parte de la policía votaba al partido neonazi Amenecer Dorado. La representación de la población autóctona es también parecida, oscilante entre el racismo manifiesto, el dubitativo y el apoyo tácito.
Al margen de todo esto, la película tiene el potencial de incidir en el protagonismo de las vidas de las personas migrantes, usando de nuevo el reclamo de ser protagonizada por personas europeas como en su día se usó este mismo hecho para hablar de la situación en Lesbos al entrevistar al equipo socorrista. La separación de familiares, el miedo a perder seres queridos, las historias individuales, las estrategias para llegar a tierra, los primeros campos… son temas que aparecen con mucha relevancia, que ponen el foco en la realidad que se estaba viviendo, y que por desgracia ha empeorado en los siguientes años según el gobierno griego y toda la Unión Europeo se han ido derechizando cada vez más.
La película realiza una crónica bastante fidedigna de la resistencia antifranquista de la posguerra civil. Y lo hace fuera del marco más hegemónico tratado por el cine y presente más que ninguno en ese mismo momento, como lo fue el maquis. En este caso, nos habla de las células organizadas por el Partido Comunista de España en contextos más rurales y con tácticas diferentes a las de la lucha armada abierta de la guerrilla, si bien inevitablemente ésta aparece en el film.
Su ambientación es Andalucía en 1950, y nuestro protagonista trabaja de secretario judicial para un juez implacable del Ejército Español. Hasta 1952 aproximadamente no comenzaron a descender los fusilamientos imparables contra disidentes del régimen, que llegaron a sumar 50000 personas asesinadas -a las que hay que sumar las 100000 que suman los asesinatos sumarios, vía militar o paramilitar, en la zona sublevada entre julio de 1936 y abril de 1939-. Por ello, la narrativa de permanentes procesos judiciales militares que fusilan gente por cuestiones como repartir propaganda son completamente verídicas. Ello, junto con la situación de hambruna que provocó la guerra y la desigualdad de reparto que reinstauró Franco movilizaron hacia la lucha contra el régimen a una parte importante de la población andaluza, y ahí estaba el PCE como fuerza hegemónica antifranquista en esa zona, con cierta infraestructura ya montada y operativa.
La película nos narra con bastante acierto la clandestinidad en estos contextos, si bien entremezclándola con otras situaciones menos habituales. Que hasta mandos del ejército estaban infiltrados por el PCE es cierto, aunque no era tan frecuente. Pero otras de las acciones que aparecen en la película, que no revelaremos por no hacer spoilers. También nos expone otros aspectos muy importantes, como la vigencia de las consecuencias de la guerra, métodos de reclutamiento, protocolos de la clandestinidad, vulnerabilidades del propio régimen…
El asesinato de un padre de familia y su hijo mayor en el contexto de sacas nocturnas de disidentes antifascistas por parte de falangistas en el contexto posterior a la caída de Vizcaya en manos de Franco trastoca a Rogelio, el protagonista de la película. De este modo, la película explora un tema no muy habitual, como son las secuelas que los asesinatos dejan en las personas que los llevan a cabo. Para atenuarlas se inventaron los pelotones de fusilamiento entre otros muchos recursos, pero en este caso se trataba de grupos irregulares permitidos por las autoridades militares que mataban directamente con sus propias manos.
Rogelio vive sumido en el miedo de que el segundo hijo más mayor, Luis, crezca y lo asesine, así que comienza a varias su vida hacia cómo poder evitarlo. Al darse cuenta de que Luis ha plantado un esqueje de higuera donde enterraron a su padre y a su hermano, hará todo lo que está en su mano para que esa higuera crezca, y ésta va a ser el hilo conductor de la película hasta su desenlace final.
Hay algunos aspectos muy interesantes que salen en la película y que son muy destacables. Nos expone, si bien resumidamente y con límites, mucha idiosincrasia de estos grupos ejecutores: el azar de sus ejecuciones, los enormes recursos con los que contaban, la complicidad de las autoridades, el fanatismo fascista que los legitima, la extracción social de sus componentes… En este punto tenemos familiares de autoridades políticas, gente de clase alta, gente beata y gente sin porvenir que toda su vida fue carne de cañón y a la que el fascismo le dio un sentido y mejoró su calidad de vida, como es ejemplo el propio Rogelio. Veremos también, tratado por encima, el tema de los topos, partidarios de la República que estuvieron escondidos en sus casas hasta que fueron encontrados y asesinados, lograron fugarse o se beneficiaron de la architardía amnistía de 1969.
También sale otro tema muy espinoso muy recurrente a lo largo de toda la película: el de los delatores. A menudo tenían intereses repugnantes detrás que no eran ni de adversidad política, como rencillas históricas o el deseo de quedarse con propiedades de las personas asesinadas. Y también veremos un buen resumen de la ideología nacional-católica con ciertos toques de humor surrealista, focalizado principalmente en el falangismo, en la Iglesia y en sus fieles.
Las leyes de la República Islámica de Irán, en su sinfín de discriminaciones y restricciones hacia las mujeres, recogen el que los estadios de fútbol son únicamente para hombres. Los argumentos -esgrimidos y extendidos a lo largo del film- para justificarlo es que los hombres dicen palabrotas y hacen gestos impúdicos que las mujeres no deben presenciar.
Evidentemente, ello no elimina la generalizada pasión por el fútbol en las mujeres, y la película trata de las mujeres que intentan colarse en los estadios vestidas de hombres. La película comienza con el autobús de camino al estadio, donde Irán se juega la clasificación en el Mundial contra Qatar. Ahí ya veremos las primeras de unas infinitas discriminaciones que las protagonistas recibirán: chantajes, extorsiones, persecuciones y arrestos a menos del ejército, como paso previo a entregarlas al cuerpo policial que se encarga de mujeres díscolas y otras desviaciones de las normas de género: la Policíade la Moral. Por si hace falta recordarlo, en el cuerpo policial que asesinó en 2022 a Mahsa Amini por no llevar el yihab como debía.
La película intenta tratar este tema con humor, dentro de que la situación que trata es muy trágica. Veremos situaciones que nos describen la realidad de la sociedad iraní desde una mirada crítica interna cuidadosamente elaborada para superar la censura: militares que moralizan a las mujeres que se cuelan en el estadio y luego engañan a sus novias, que hacen este trabajo sin estar convencidos por chantajes de sus superiores, padres opresores que buscan mantener a raya a sus hijas rebeldes, marginados apresados que anteponen su misoginia a ser ayudados por mujeres del atolladero en el que se encuentran, y muy diversos grados de disconformidad de género en las protagonistas. Está la que cubre todo su cuerpo ante determinadas autoridades, y está la que tiene todos los códigos bolleros del mundo, da hostias sin pensárselo y entiende más de fútbol que nadie allí presente. Hay una escena histriónica en la que una de las protagonistas debe ir al baño en un estadio donde sólo hay baños de hombres: la absurdez a la que se llega en esta escena, que pone los roles de género a la altura del betún, es sublime, y merece ser más vista que contada aquí, porque lo tiene todo: duelos de gallitos, conductas estúpidas a más no poder, homofobia y capacitismo…
En resumen, una película muy interesante que nos sitúa otras realidades a la sombra del feminismo blanco institucional, en las que las mujeres de países musulmanas se rebelan también y tejen sus propias estrategias de combate. Muy recomendable.
Derry es una de las principales ciudades del norte de Irlanda, que a día de hoy sigue formando parte del Imperio Británico pese a los fuertes movimientos históricos en su contra que hicieron, entre otras cosas, que la parte sur de la isla se independizara. Entre 1968 y 1998 el conflicto entre población colonizada católica y fuerzas y grupos coloniales protestantes escaló hasta la reactivación del IRA y de otros grupos armados que pondrían en jaque a las autoridades británicas. En respuesta, Londres aplicó terrorismo de estado, operaciones encubiertas y grupos paramilitares compuestos por colonos partidarios de la monarquía inglesa. Hubo miles de muertes y centenares de atentados, que se redujeron tras el Acuerdo de Viernes Santo firmado en 1998, pero que han seguido hasta la actualidad.
En este contexto vivió población católica que no estaba vinculada a la lucha armada y que podía incluso no apoyarla, que vivía cotidianamente la situación de discriminación institucional, el odio desde los barrios de colonos británicos, la presencia militar y las innumerables vulneraciones de derechos que se dieron. También vivían sus vidas, con sus dificultades, sus deseos, sus problemas y sus devenires. Esta serie representa las vidas de cinco adolescentes en un colegio católico de mujeres en el Derry de mediados de los noventa. Con un tono de humor permanente, nos narra de la situación del momento, los cambios políticos que se están dando frente al emergente Proceso de Paz que recorre prácticamente toda la serie, las disputas dentro de la institución, las diferencias de clase entre familias, las disputas familiares… Hay un miembro del grupo que es un chico, que al haber sido criado en Londres por la tía de una de las protagonistas, no va al colegio masculino porque lo tomarían por inglés. Esto da para innumerables chistes sobre sexualidad y género sin parar a lo largo de toda la serie.
Infinidad de temas interesantísimos que marcaron generaciones irlandesas aparecen retratados con mucho humor. Pero sí que nos queremos referir a la cuestión del Proceso de paz, al que le dedican capítulos enteros, en especial el último. Supuso un cambio muy drástico en las vidas cotidianas de la población al desmilitarizarse los condados, abrirse la frontera con el resto de Irlanda y dotarse de órganos de gobierno autónomo. Y disminuyó la conflictividad por todas las partes. Pero no terminó con la lucha armada ni mucho menos, porque no acabó con los problemas y la discriminación que sufre la población católica frente al mayor poder adquisitivo e institucional de la protestante. Gran parte de las personas presas de los diversos IRAs y otros grupos acabaron abandonadas por organizaciones que les prestaban apoyo, la lengua y la cultura autóctonas han seguido en decrecimiento, la violencia de los colonos ha proseguido incluyendo estallidos anticatólicos organizados, la reparación ha sido muy parcial y sobre todo orientada hacia las víctimas británicas y Reino Unido ha conseguido ahorrarse dinero en efectivos ingleses para que el trabajo sucio lo hagan cuerpos irlandeses que reciben legitimación de organizaciones políticas irlandesas otrora independentistas. Cualquier parecido con la situación actual de Euskal Herria es simple coincidencia. La serie da una visión muy feliciana del proceso de paz, cuando la realidad fue mucho más cruda. Al final la historia se escribe desde el presente, y ése es el discurso oficial desde una parte destacada de la sociedad norirlandesa en la actualidad.
En cualquier caso, es una serie muy interesante, con muchos puntos muy logrados y muy acertados, y más que recomendable.
Título original: Bagdad Cafe
Dirección: Percy Adlon
Guion: Percy Adlon, Eleonore Adlon, Christopher Doherty Música: Bob Telson
Fotografía:Bernd Heinl
Reparto:Marianne Sägebrecht, Jack Palance, Christine Kaufmann, CCH Pounder, Monica Calhoun
Productora: Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Estados Unidos;Pelemele Film,Pro-ject Filmproduktion País: República Federal de Alemania
Año: 1987 Duración: 91 min.
Jasmine es una turista bávara que, hastiada, abandona a su marido en mitad del desierto de Mohave. Para refugiarse acaba en un motel llamado Bagdad Cafe que está en mitad de la nada, junto a una carretera medianamente concurrida. Allí Brenda tiene que cuidar del establecimiento, de un hijo, una hija, un nieto y su marido, al cual expulsa tras una enésima discusión.
La película tiene como tema central realmente la sororidad y lo que permite, como que dos mujeres superen su anclaje a los hombres y puedan vivir más felizmente y mejor por su cuenta y apoyándose mutuamente. Un camino plagado de escollos que van poco a poco superando: la rivalidad entre mujeres, las envidias y recelos, las diferencias culturales y raciales, la precariedad absoluta, el autoboicot y el sufrimiento mental, los prejuicios de género e incluso el sistema de migración estadounidense, que está ahora más en la prensa que nunca.
Se trata de una película que con un humor muy retorcido nos coloca frente a una pieza con claros componentes feministas y antirracistas, si bien son palabras que no aparecen en ningún momento. Muy recomendable.
Estamos ante un híbrido bastante bien logrado entre cine carcelario y cine de trenes -y un poco de cine de nieve también-. En una cárcel en la que resumidamente gobiernan los deseos personales del sanguinario alcaide, que transmite un discurso de maltrato abierto contra sus reclusos muy alejado de la reinserción o la redención, dos presos se escapan antes de acabar irregularmente muertos. Pero es Alaska en pleno invierno, y el frío del exterior les obliga a conseguir un transporte con el que poder huir a Canadá. Y aquí entra en juego la red ferroviaria de la región, que transporta comúnmente cercanías para las industrias y minas de la zona. Un accidente termina generando que un tren a toda velocidad con los presos dentro esté completamente descontrolado, juntándose en torno a la catástrofe venidera responsables ferroviarios, controladores de vías, los reclusos fugados y el personal de la prisión que los busca.
Esta miniserie experimenta con una realidad alternativa en la historia de Hollywood y de los Estados Unidos en general, en la que reparto, direcciones, guionistas, productoras y brazos mediáticos apostaron desde unos primigenios años 40 por un mayor compromiso social en favor de las personas racializadas y disidentes sexuales que ya andaban por allí entonces, pero en papeles secundarios y permanentemente maltratadas en el primer caso, y en diversos grados de armario en el segundo. Una situación que en la realidad no sólo no se dio, sino que de haberse intentado, la violencia desde diversos lugares hubiera arrasado con el proyecto, en especial por parte de un grupo violento que en la película apenas aparece atacando el proyecto que se lleva a cabo en el film: el poder judicial y policial. El código Hays, muy vigente entonces y vigente hasta 1968, prohibía tajante las relaciones interraciales y la homosexualidad en el cine, entre otras mil cosas más.
El hilo argumental consiste en que se dan las circunstancias para que salga adelante un proyecto de película sobre una joven que se suicida tras no poder conseguir su sueño de ser actriz en Hollywood. Ya con ello entramos en una crítica, que podía haber sido más profunda y afinada, sobre la clasista trituradora de carne que fue el Hollywood de entonces -cosa que no ha cambiado tanto en la industria cinematográfica mainstream estadounidense-, explotando jóvenes que venían de todo el estado en un contexto post bélico para papeles y empleos ultraprecarizados. No por casualidad gran parte de personajes de la película tienen empleos irregulares como trabajadores sexuales para poder subsistir en ese Hollywood, como ocurrió en la vida real. Y como en la vida real, la clientela eran personas adineradas vinculadas al cine. Contando con las contrataciones explícitas, las semi-orgías y demás conductas sexuales por entonces ilegales que aparecen en la serie, con leer simplemente Hollywood Babylon del director marica Kenneth Anger veremos que la serie se ha quedado corta. Por ejemplo, las fiestas que montaba George Cukor, director de renombre que poco escondía su orientación sexual, eran mucho más descaradas y explícitas que lo que expone la serie.
La cosa se pone más tensa al ser el guionista negro, con la propuesta de una protagonista negra en una relación con un joven blanco, y gran parte del personal disidente sexual, trabajador sexual o contratante de trabajo sexual. Y entre todo esto veremos la red de tráfico de influencias y chantajes que realmente existía alrededor, con magnates que se liaban con actrices que luego se promocionaban, nombres legendarios premiados con varios Óscars que tenían unas adicciones a las drogas muy fuertes -que les terminarían llevando prematuramente a la tumba-, actores homosexuales chantajeados por agentes, directores, periodistas, productoras y hasta con la mafia italiana por ahí en medio… en algunos casos siendo incluso gays armariados los chantajeadores. Situaciones basadas en la realidad de la época que no se aleja tanto de la situación presente.
La película nos ofrece una realidad alternativa completamente irreal, que jamás hubiera ocurrido en un contexto tan puritano, a poco del inicio manifiesto de la Guerra Fría y la caza de brujas anticomunista en el cine. El Ku Klux Klan, las leyes racistas Jim Crowen el sur, la dictadura capitalista de los beneficios ante hacer cualquier película, la presión de la prensa, la presencia de la policía… todo ello está en el film y le pone la vida difícil a las protas, pero la realidad hubiera sido más devastadora y aquello hubiera sido imposible. De llevarse a cabo hubiera conseguido cambios sociales, sin duda, la fuerza del cine es la que fue y la que sigue siendo, pero tampoco al nivel que muestra la película. No por casualidad, no hay una actriz negra de renombre en el cine blanco mainstream que no haga de sirvienta mediocre ridiculizada hasta Dorothy Dandridge en Carmen Jones, casi diez años más tarde; no habrá un héroe negro en la gran pantalla hasta 1968 con La noche de los muertos vivientes de George A. Romero, o sea, una película autoproducida; y no habrá una película que hable de homosexualidad sin condenarla completamente hasta la adaptación al cine de la obra teatral Los chicos de la banda, en 1970 y también autoproducida.
Lo que sí podemos extraer de la serie y la hace estar en este blog es que en esa realidad alternativa hay conductas mucho más deseables a las que fueron y a menudo siguen siendo. La sororidad entre mujeres en situaciones ante las que han sido educadas para competir es tónica habitual. Personas en el armario usan su poder para beneficiar a otras personas oprimidas, en vez de únicamente pasa sí. Trabajadores y trabajadoras sexuales se apoyan mutuamente en infinidad de situaciones. Y los personajes homosexuales terminan por rebelarse ante el silencio y el estigma. Una gran parte de los guaperas que protagonizaron aquellos films fueron gays o bisexuales que nunca pudieron hacerlo público en vida. Tenemos una sonada excepción, que no por casualidad fue elegida para ser personaje protagonista en la serie: el actor Rock Hudson. Vivió toda su larga carrera artística escondiendo su homosexualidad, siendo incluso obligado a casarse para ocultarla, y codeándose con los actores y equipos más rancios y fachas, como el actor Ronald Reagan. En 1984, al borde de la muerte y con un diagnóstico de SIDA, en plena presidencia de su amigo Reagan y ante la inacción de su presidencia frente a la crisis sanitaria, lo haría todo público a la vez, convirtiéndose en la persona seropositiva más famosa del mundo. Declaró arrepentirse de haber vivido una vida que no era la suya. La película intenta reparar un poco todo aquello, mostrándonos una historia de la vida del actor que hubiera sido muchísimo mejor si hubiera querido y sobre todo si hubiera podido.
Título original: Wolfwalkers
Dirección: Tomm Moore, Ross Stewart
Guion: Will Collins Música: Bruno Coulais
Productora: Co-production Ireland-Luxembourg; Apple Original Films,Cartoon Saloon,Dentsu Inc,SIF309 Film & Music Productions
País: Irlanda
Año: 2020 Duración: 102 min.
En la Irlanda de 1650, la tala de los bosques para dar paso a toda la gran oleada de colonización britática derivada de la Revolución Inglesa se encuentra con la oposición de uno de sus habitantes más temidos por el ser humano: los lobos. Pero en esta película, sus ataques son coordinados y tienen detrás seres fantásticos conocidos como wolfwalkers, que tienen una doble vida humana y loba.
Así pues, Robyn y Bill llegan a una ciudad gestionada por un noble británico y su ejército. Bill es destinado allí por sus dotes de cazador en Inglaterra, con el fin de derrotar la amenaza de los lobos. Robyn es su hija pequeña, lo admita y quiere ser como él, pero la sociedad le censura sus deseos y le reserva un papel en la cocina y en tareas de limpieza.
La película nos da una idea, si buen algo calmada y aderezada, de la situación de opresión de los colonos británicos contra la población irlandesa autóctona. Aunque no se mencionan las diferencias religiosas -si bien sí que se enfatiza el fanatismo cristiano de Lord Protector, el máximo dirigente local-, sí que vemos las fuertes tensiones entre el campesinado irlandés y las tropas inglesas, incluyendo episodios de represión.
La película también tiene un subtexto animalista y ecologista a la vez, situando la protección del bosque frente a las embestidas humanas como algo deseable, así como la vida y los deseos de sus habitantes cuadrúpedos como legitimas. Cae en la antropormorfización de los lobos este caso, que parecen liderados por las wolfwalkers que tienen mayores cualidades humanas, quitándoles agencia de esta manera.
En general, una película entretenida y muy recomendable.
Título original: My Buddha Is Punk
Dirección: Andreas Hartmann
Guion: Andreas Hartmann País: Alemania
Año: 2015 Duración: 68 min.
El documental está grabado en 2012, cuando Myanmar -hasta hacía poco conocida como Birmania- estaba en un proceso de transición hacia un modelo limitadamente parlamentario tras medio siglo de dictaduras militares de diverso signo que cada vez estaba más asediada por protestas sociales y disidencia política. Fue un interludo tímidamente parlamentario -con infinidad de disputas internas, incluso un genocidio en mitad del proceso- que duró una década escasa: en 2021 un golpe de estado arrestó al gobierno y reprimió a sangre y fuego las protestas contra él, volviendo a convertir Myanmar en una dictadura militar y dejando el país en una guerra civil de baja intensidad con guerrillas que dominan regiones y se enfrentan al ejército hasta la actualidad. Deseamos que quienes protagonizan este documental se encuentren bien, si bien estos años han sido objeto de entrevistas debido al duro clima instalado en el país y a que son activistas sociales anarquistas de cierto reconocimiento.
La cámara recorre la vida de un grupo de punks locales de la banda The Rebel Riot Band gracias a lo cual podemos conocer muchas de sus opiniones políticas, su participación en las manifestaciones del momento, su música, su relación con otras escenas y otros miembros de la comunidad, sus disputas frente a temas como la estética o las drogas, sus concepciones de lo religioso… Lejos de evitar prejuicios eurocéntros o cristianocéntricos, lo cierto es que el budismo, religión mayoritaria en el país, tiene amplios sectores que realizan lecturas antiautoritarias o al menos no autoritarias de las enseñanzas de Buda, en mayor proporción que entre las comunidades seguidoras de Jesucristo.
Vemos el contexto de ebullición política del momento bien impregnado, y también la herencia colonial de casi un siglode dominio británico respecto al punk, utilizando conceptos en inglés en su lenguaje sobre la escena y en las propias canciones en vez de en su lengua natal. Y también vemos las diferencias entre una escena punk más politizada hacia lo anarcopunk, y otra menos politizada, que utiliza esvásticas nazis entre su estética, o que vierte comentarios islamófobos. Esto último ha sido bastante estremecedor oírlo, ya que el documental ya menciona la violencias ejercidas contra la minoría musulmana Rohinyá, 4 años antes de que la situación escalara a un genocidiocoordinado por Facebook y a un éxodo masivo.
Los ejercicios de descolonizar el punk siempre serán bien recibidos en este blog, así que instamos activamente a su visionado.
Título original: Mediterráneo
Título original: Miel de naranjas
Título original: La higuera de los bastardos Dirección: 
Título original: Offside
Título original: Derry Girls
Título original: Bagdad Cafe
Título original: Runaway Train
Título original: Hollywood
Título original: Wolfwalkers
Título original: My Buddha Is Punk
